¡En nuestra vigésima entrevista de Clapper Sounds, presentamos al músico Everett Lewis, afincado en el área metropolitana de Dallas-Fort Worth!

Everett, más conocido como @Everett_Lewis_Music en Clapper, lleva toda la vida dedicándose a la música, y no es ninguna exageración. Su estilo es un pop-punk nostálgico, perfecto para aquellos que crecimos escuchando a Blink-182, Fall Out Boy y All Time Low. La canción de Everett, «Dad Bod», fue un gran éxito en nuestro Open Mic de Nochevieja. Está trabajando en nueva música que lanzará en 2023. Nos sentamos con Everett para saber más sobre sus inicios en el teatro musical, su visión sobre la creación de contenido como músico, sus consejos para los nuevos artistas y mucho más.

Clapper Sounds pretende ser unaexperiencia musical íntima, y queremos que esa idea se refleje también en nuestras entrevistas escritas. Echa un vistazo al perfil de Everett en Clapper para hacerte una idea más clara de su sonido y escuchar su voz en acción. ¡Esta versión es una de nuestras favoritas!

¿Cuál es tu primer recuerdo relacionado con la música y cómo comenzó tu trayectoria como artista?

¡Vaya! ¿Cuenta el karaoke? Porque mi primer recuerdo relacionado con la música es de cuando tenía 5 años. Después de la primera comunión de mi hermana, fuimos a un restaurante filipino llamado Max’s, en Glendale, California. Canté «Tearing Up My Heart» de los Backstreet Boys, y me arrodillé y todo eso. Después seguí participando en concursos de talentos y, cuando estaba en quinto curso, interpreté algo de Chicago. Y luego empecé a actuar con mi amigo Mikey, y hacíamos coreografías. Nuestra gran actuación fue «Sugar Pie Honey Bunch». Su hermano nos hacía las coreografías porque estaba en el coro de espectáculos. Después actuábamos en desfiles de moda y eventos filipino-estadounidenses y cosas así. Empecé muy joven.

Cuéntanos más sobre este cambio de interpretar canciones conocidas a interpretar tus propias canciones. ¿Cómo empezó todo?

Creo que todo empezó hacia el final del instituto, cuando pasé del coro musical al teatro. Me compré mi primera guitarra acústica y empecé a componer mis propias canciones sobre las rupturas y los desengaños amorosos que estaba viviendo en aquella época. Fue más o menos en 2011, cuando The Script estaba en la cresta de la ola. Mis primeras canciones recuerdan mucho al estilo de The Script de aquella época . Muy melancólicas y llenas de desamor.

¿Tienes algún proceso concreto para componer canciones?

Depende de cada canción, pero si tuviera que desglosarlo, normalmente empiezo por el estribillo. Intento encontrar algo que enganche; obviamente, lo que se busca es que sea pegadizo, así que hay que definir esa parte primero. Después voy trabajando hacia atrás y, a veces, trabajo en tres canciones que acaban convirtiéndose en una sola. Me digo: «Oh, esto no me gustaba mucho para el estribillo, no es lo suficientemente pegadizo. Voy a convertirlo en un puente para esta canción. O voy a darle la vuelta, quizá convertirlo en una estrofa». Durante mucho tiempo, no quería que la canción resultara monótona a lo largo de todo el tema y creo que eso viene de mi formación en teatro musical. Así que mi primera y mi segunda estrofa serán completamente diferentes. Tendrán una estructura diferente, una melodía diferente, y es ese estribillo el que lo une todo.

Pero no hay una única forma de hacerlo. Muchas veces me inspiro en otra canción y pienso: «Vale, voy a escribir mi propia versión de esta canción. Voy a dejarme influir por ella». No se trata necesariamente de copiarla, sino de hacerla mía. Cuando termino, son dos productos completamente diferentes.

¿Qué opinas, como artista, sobre la creación de contenido en las redes sociales?

Sin duda es una plataforma fantástica que ahora se está aprovechando al máximo, pero eso tiene sus pros y sus contras. Nunca ha sido tan fácil convertirse en creador de contenido, pero nos vemos demasiado absorbidos por ello y estamos constantemente actuando, así que hay que encontrar ese equilibrio. Pero para los artistas puros y los creadores que salen a expresar su arte y necesitan una plataforma para hacerlo, nunca ha habido una herramienta mejor para promocionarse y compartir sus productos o su contenido con el mundo.

¿Cómo mantienes el equilibrio entre compartir tu arte a través de contenidos y promocionarte a ti mismo sin perder la cordura?

Quizá yo no sea el mejor ejemplo de ello; probablemente podría esforzarme más en promocionarme y no limitarme siempre a ser un consumidor. Creo que tengo que darme cuenta de que es diferente a estar sobre el escenario, donde se obtiene esa gratificación instantánea que te dan los comentarios y la reacción del público. Necesito encontrar un equilibrio entre consumir contenido y también producirlo, porque es fácil dejarse llevar solo por el consumo de contenido. Si realmente queremos promocionarnos, tenemos que mostrarnos un poco más vulnerables.

Y no te preocupes necesariamente por si estás molestando a los de casa con todo ese marketing, o por si das la impresión de ser muy arrogante o egoísta. Creo que es algo que la gente de la comunidad artística entiende: no es necesariamente que estés absorto en ti mismo. Es solo parte del juego, en el que tienes que promocionarte, y en cierto modo forma parte del trabajo. Como he dicho, podría hacerlo mejor. Publicar constantemente, asegurarte de que todo el mundo sepa si tienes un concierto a la vista; si tienes una canción a punto de salir, tienes que dar pistas sobre ella como lo harías con una película.

¡Cuéntanos un poco sobre tu próximo lanzamiento!

Ya casi he terminado la demo de la canción que quiero sacar. Ahora toca buscar al técnico o a los productores con los que quiero trabajar para que suene profesional y poder distribuirla. ¡Es un proceso emocionante! Mi objetivo era tenerlo listo para finales del primer trimestre de este año, pero probablemente se retrasará un poco hasta el segundo trimestre; ha sido un proceso de aprendizaje intentar grabar en casa y producir algo desde cero. Pasar de algo que normalmente empieza con la guitarra acústica a algo que tiene batería, sintetizador, línea de bajo, guitarra eléctrica y voz. Y las voces son lo más difícil porque todo el mundo odia el sonido de su propia voz. No importa cuántas tomas haga, las odiaré todas y cada una de ellas. Tendré que llegar a un punto en el que me diga: «Tengo que seguir adelante». Esto es una demo, y cuando llegue al estudio, podré contar con alguien más con quien intercambiar ideas.

¿Cómo sabes cuándo hay que dejarlo? ¿Tienes una respuesta para ti mismo, o simplemente intentas no pensar en ello y prefieres que venga un profesional a darte su opinión?

Tengo un par de amigos a los que no me cuesta nada enviarles lo que tengo y recibir sus primeras impresiones para sacármelo de la cabeza. A veces me dan sugerencias en las que ni siquiera había pensado, así que sin duda me ayuda. Es difícil encontrar ese punto de parada porque somos tan duros con nosotros mismos que, si quisiéramos, podríamos trabajar en esto hasta el día de nuestra muerte y aún así no sería perfecto. Por eso George Lucas siempre está haciendo nuevas ediciones de Star Wars, siempre quiere añadir más cosas. Sinceramente, podríamos volver atrás y remasterizar y remezclar todas las canciones que hemos hecho. En algún momento, tienes que darte cuenta de que esto es solo una instantánea de este momento en el tiempo y tienes que mostrar tu crecimiento. No pasa nada si esto no es 100 % perfecto porque, dentro de cinco años, cuando tenga algo más, se podrá ver esa diferencia. Se podrá ver ese crecimiento.

¿Tienes algún trabajo extra que compaginas con la música? ¿O te dedicas a la música a tiempo completo?

La música es, en esencia, mi actividad secundaria. Trabajo con datos en el sector de las tecnologías de la información, es decir, ese trabajo aburrido de 9 a 5 del que realmente no hablo en las fiestas. Esta es la parte de mí que me apasiona. El trabajo que hago de 9 a 5 es lo que me da de comer, pero la música es mi forma de vivir. Es lo que me hace sentir vivo.

¿De qué es de lo que te sientes más orgulloso hasta ahora?

Lo que más me enorgullece es que la gente conozca mi música. Aunque solo sea un pequeño grupo de personas que han escuchado mis canciones varias veces y las veo cantándolas conmigo. En un concierto hace un par de semanas, alguien me dijo: «Oye, creo que te conozco de Instagram y me encanta tu canción». Era alguien a quien no había visto nunca antes. Es genial que, incluso sin tener nada en streaming, mi música siga llegando más allá de mi entorno más cercano. Es genial haberlo conseguido solo a través de las redes sociales.

Decidir ser artista puede tener sus altibajos. ¿Qué consejo le darías a ese joven artista que está aprendiendo a tocar la guitarra o empezando a tomar clases de canto y cuyo sueño es ser músico?

El mejor consejo que me dio mi profesor de teatro musical cuando estaba en la universidad. Él empezó en *Miss Saigon* como parte del coro, lo que luego le llevó a una audición para formar parte del coro de *El fantasma de la ópera*. Tenía muchos miedos y dudas, pero su director le dijo: «Simplemente hazlo, joder». Nunca se sabe lo que puede salir de ahí solo por atreverse a dar el paso. ¿Quieres cantar? Simplemente hazlo. ¿Quieres actuar? Hazlo, porque nunca sabes qué vendrá después, a dónde te puede llevar esa oportunidad. No esperes nada, pero si lo haces por amor al arte y sigues trabajando duro, las cosas buenas llegarán. Hizo la audición solo para el coro, formó parte del coro y, con el tiempo, llegó a interpretar al Fantasma durante tres años.

No te olvides de ver nuestra sesión en directo grabada en nuestra cuenta de Clapper Sounds y en nuestrosReelsde Instagram. ¡Disfruta de la sesión en directo de Clapper Sounds de esta semana!