Para muchos creadores de contenido, lo más importante a la hora de hacer un vídeo es grabarlo y, después, interactuar con el público. Muchos de nosotros no pensamos en la edición más allá de asegurarnos de que el vídeo se vea fluido y tenga sentido. Pero para los creadores de contenido que quieran probar algo nuevo y ampliar sus habilidades, experimentar con nuevas técnicas de edición es el punto de partida. Existen docenas de técnicas que pueden realzar las emociones, captar la atención del público o convertir una escena poco interesante en algo que de repente resulte cautivador.

En el artículo de hoy, vamos a compartir cuatro técnicas de edición que deberías probar. ¡Todo lo que necesitas es un teléfono, una aplicación de edición como CapCut y un poco de paciencia!

1. Corte en la acción

Se trata de una serie específica de cortes en la que una acción (literalmente cualquier acción) se divide de forma fluida en dos o más planos. Cada plano mostrará un nuevo ángulo o composición de la acción, pero retomará exactamente donde lo dejó el anterior. Tomemos, por ejemplo, a una mujer cortando un pimiento. El primer plano nos mostraría de frente a ella, observando cómo coge el pimiento y lo coloca sobre la tabla de cortar. El segundo plano retomaría la acción en ese mismo instante y mostraría el cuchillo acercándose para cortar el tallo, pero desde el lado izquierdo. El tercer plano sería el momento en el que realmente corta el tallo y trocea el pimiento, pero lo filmaríamos desde la derecha.

Es difícil de seguir en formato escrito. He aquí un ejemplo:

Este estilo de montaje mantiene o impulsa el dinamismo en lo que podría ser una escena estática. Además, mantiene el interés del público y permite resaltar los momentos clave de una escena. Y, al alternar entre distintos ángulos, consigue que la escena resulte más envolvente para el espectador. También puede hacer que incluso los momentos más aburridos o cotidianos parezcan parte de una historia y nos ayude a centrarnos en cada acción concreta.

1.5. Un corte en J

Se parecen un poco al «J-cut», que muestra cómo dos clips conectados entre sí cuentan una historia. Imagina a una mujer hojeando un libro de recetas, con un corte a ella mirando dos pimientos diferentes en la tienda. Vemos la chispa inicial, la causa (ella buscando la receta perfecta) y, a continuación, el efecto (ella encontrando el mejor pimiento). Puedes ver ejemplos en los primeros cortes de este vídeo de muestra.

Esta técnica permite captar la esencia de todo el momento, no solo la acción principal. Nos cuenta toda la historia en unas pocas secuencias rápidas y ayuda a sumergir al público en la escena. Aporta dinamismo y narrativa incluso al momento más cotidiano.

2. Aumento gradual de la velocidad

Con esta técnica, se aumenta o se reduce la velocidad de una toma para resaltar un momento concreto. También se puede utilizar para crear tensión o expectación, como en esa escena de «Brave», en la que la flecha vuela muy despacio durante unos segundos y nos deja preguntándonos si Mérida dará en el blanco. Esto suele hacerse en fragmentos cortos, para resaltar realmente el momento. En el ejemplo que aparece a continuación, podrás ver el cambio de velocidad alrededor del segundo quince:

Esta técnica se utiliza principalmente para realzar las secuencias de acción o resaltar las emociones. En la escena anterior, aporta un poco de contexto a una interacción y ayuda a transmitir partes de la historia que quizá no captaríamos con tanta naturalidad. También puede utilizarse para transmitir el paso del tiempo o permitir a los montadores contar la historia de una forma más interesante y atractiva visualmente. Algunos montadores incluso la han utilizado para ocultar o corregir problemas de ritmo, o para añadir estilo o un toque especial a una escena.

3. Stop motion

No te estamos diciendo que saques tu lado más «Tim Burton» y crees figuritas de plastilina. Pero sí que puedes incorporar la técnica del stop motion mediante fotografías y fotogramas fijos. Aunque es un poco más laborioso. Tienes que hacer un montón de fotos individuales, ligeramente diferentes entre sí, de la acción para garantizar que la historia fluya con la mayor naturalidad posible. Probablemente esta sea la técnica con la que estés más familiarizado, ¡pero aquí tienes un ejemplo!

Esta técnica es ideal para los creadores que buscan un reto o un estilo realmente único. El stop motion tiene un aspecto y un estilo característicos que lo diferencian de todo lo demás. Por eso, llama mucho la atención y es capaz de captar el interés incluso del espectador más ocasional. Además, es un estilo versátil que se adapta a cualquier género o tono.

4. Secuencias de corte

Los cortes de plano son bastante evidentes. Se aleja la cámara de la acción de una escena para ofrecer al público información que antes estaba «fuera de campo» o no se había incluido. Por ejemplo, volvamos a la mujer que está cortando pimientos en la cocina. Está cortando un jalapeño para añadirlo a una salsa para la cena. Podríamos hacer un corte a su pareja charlando con unos amigos, diciendo que no soporta la comida picante y que no le gustan los pimientos. A continuación, volvemos a nuestra preparadora de salsa, que está cortando otro jalapeño para su salsa.

Esta escena de «Un día sin clase» es un ejemplo perfecto de un plano de corte.

En este ejemplo se utiliza un plano de transición para aportar contexto y un poco de tensión a la escena. Gracias a este plano, el público descubre algo nuevo sobre la escena y la trama. Un plano de transición también puede servir para introducir o explicar un nuevo elemento, como la escena del CDO en «La gran apuesta». El corte del CDO también crea suspense, ya que detenemos la acción para centrarnos en otra cosa y ahora tenemos que esperar a ver cómo se desarrolla la historia real. Este tipo de corte debe ser rápido y conciso. Narrativamente, un corte (o una secuencia de ellos) puede utilizarse para revelar la respuesta a un misterio. Los cortes también son bastante comunes porque funcionan bien.

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